Pascal Rambert (né en 1962 à Nice) occupe aujourd’hui une place centrale dans le théâtre contemporain français et international. Formé auprès d’Antoine Vitez à l’École de Chaillot, il s’initie très jeune à une conception exigeante de la scène, envisagée comme un espace d’expérience plutôt que comme un simple lieu de récits. Dès les années 1980, il fonde sa compagnie Side One / Posthume Théâtre et construit une pratique artistique polymorphe : auteur, metteur en scène, chorégraphe, réalisateur, il explore les langages et les corps avec une même intensité. Ce refus des frontières disciplinaires deviendra l’une des signatures de son œuvre.

Rambert pousse le théâtre vers une forme de dépouillement dramaturgique : ce qui l’intéresse n’est pas la fable, mais l’énergie de la parole, sa capacité à révéler, heurter, bouleverser. Ses textes s’organisent souvent autour de monologues longs, tendus, adressés frontalement au public ou à un partenaire. La scène devient alors un lieu d’exposition des émotions, des conflits, des fractures intimes, où le drame naît moins d’une action que d’une prise de parole. Ce rapport direct, presque physique, entre l’acteur et le spectateur est au cœur de sa recherche.

Ce geste trouve une expression majeure en 2011 avec Clôture de l’amour, créé au Festival d’Avignon avec Audrey Bonnet et Stanislas Nordey. Cette pièce, composée de deux monologues se répondant comme deux forces irréconciliables, marque un tournant : traduite dans de nombreuses langues, montée dans une multitude de pays, elle impose Rambert sur la scène mondiale. Elle cristallise l’essence de son théâtre : une intensité presque musicale, une clarté de l’adresse, une précision des rythmes et des respirations, un dépouillement qui rend la parole brûlante.

Parallèlement à son travail de création, Rambert dirige de 2007 à 2017 le T2G – Théâtre de Gennevilliers, qu’il transforme en centre dramatique national de création contemporaine. Sous sa direction, le lieu devient un foyer de recherche artistique ouvert à la danse, à la performance, au cinéma et aux nouvelles écritures. Il y défend une conception du théâtre comme laboratoire, où les artistes peuvent inventer des formes libres et exigeantes. Cette décennie d’engagement institutionnel consolide son rôle d’acteur majeur de la scène française, tout en nourrissant sa propre réflexion sur les formes et la transmission.

Son œuvre se déploie largement au-delà des frontières françaises. Rambert crée fréquemment ses pièces dans différentes langues et adapte ses textes pour des équipes locales, en Asie, en Europe ou en Amérique. Cette circulation internationale n’est pas qu’une diffusion : elle participe d’un travail d’écoute du monde, d’un désir de confronter l’écriture à d’autres voix, d’autres rythmes, d’autres sensibilités. Ses pièces — Répétition, Argument, Une vie, Architecture, Finlandia et bien d’autres — prolongent une même interrogation : comment dire aujourd’hui les liens qui nous unissent ou nous brisent ? Quel espace la scène peut-elle ouvrir pour penser le rapport à l’autre, au temps, au collectif ?

La reconnaissance institutionnelle accompagne ce parcours : Grand Prix de littérature dramatique, prix du Syndicat de la critique, Prix du Théâtre de l’Académie française, entre autres distinctions. Mais au-delà des honneurs, c’est la cohérence de son geste artistique qui frappe : Rambert développe depuis plus de trois décennies un théâtre de l’adresse, de la tension et de la présence, où les mots deviennent des forces, où les acteurs se tiennent au bord d’eux-mêmes, où le spectateur est convoqué comme témoin actif.

Ainsi s’esquisse une œuvre singulière, profondément ancrée dans son époque et résolument ouverte au monde, portée par un auteur-metteur en scène qui, de pièce en pièce, interroge inlassablement ce que le théâtre peut faire à la vie — et ce que la vie, à son tour, exige du théâtre.